Conçus pour protéger les tables et condamnés à disparaître après le repas, les sets de table aspirent rarement à autre chose. Cependant, depuis des années, l’illustrateur barcelonais Sebastià Martí (@sebastia.marti y @sebastia.marti.ilustracion) les a transformés en support créatif pendant qu’il attendait que les plats arrivent. Aujourd’hui, certaines de ces œuvres sont exposées — bien sûr — dans un restaurant de Barcelone.

Certains des sets de table proviennent de García de Pou, ce qui nous a amenés à nous entretenir avec l’artiste au sujet de cette initiative singulière. L’exposition peut être visitée jusqu’au 15 mars 2026.

 

Dessiner sur les sets de table des bars et des restaurants est une pratique assez répandue, mais l’élever au rang d’art… quelqu’un y avait-il déjà pensé ? Comment l’idée est-elle née ?
Je suis sûr que quelqu’un l’a déjà fait, non ? C’est impossible qu’il n’en soit rien. Mais je ne l’ai jamais vu exposé, et j’ai pensé qu’il était grand temps. Si je l’avais vu chez quelqu’un d’autre, je ne l’aurais pas fait.

Le set de table est l’un des produits phares de García de Pou : nous en fabriquons des millions, dans une infinité de modèles. Certains de ceux que vous avez utilisés sont les nôtres. Avez-vous des préférences en matière de texture, d’épaisseur ou de matériau pour que la toile soit parfaite ?
Bonne question. Naturellement, il faut un papier avec un grammage plus élevé — autrement dit, plus épais — afin qu’il supporte aussi bien les feutres que quelques incursions de peinture. Il ne doit pas être trop patiné non plus. Ah ! Et il doit comporter quelque chose d’imprimé en lien avec le restaurant, mais qui ne couvre pas plus de 30 % de la surface.

 

Est-ce la meilleure toile improvisée qui existe ? y a-t-il d’autres supports improvisés sur lesquels vous aimez dessiner ?
C’est le plus hédoniste que j’aie trouvé : on a une table, une chaise, à manger, à boire et, avec un peu de chance, une belle vue ou quelque chose d’intéressant autour de soi. Il y a toujours des toiles improvisées — le sable de la plage (art éphémère), les galets d’une rivière, un morceau de carton, du bois, etc. — mais sans aucun doute, l’une des meilleures reste le set de table.

Vous intégrez les imperfections et les taches du set de table dans l’œuvre, mais qui vient en premier, l’œuf ou la poule ? La tache inspire-t-elle l’idée ou le dessin finit-il par engloutir la tache ?
Pour être sincère, dans la plupart des cas, le dessin vient d’abord et la tache ensuite. Il arrive que ce soit l’inverse, mais c’est l’exception ; dommage, car cette version est plus romantique.

Qu’est-ce qui vous inspire pour commencer un tableau-set de table ?
Dans ce cas-là, l’inspiration compte assez peu. Il faut faire quelque chose pendant le temps que dure le repas, pendant que vous discutez, etc. ; l’œuvre finit donc par être représentative de l’environnement. Si l’on s’arrête pour réfléchir à quelque chose de créatif, on n’en terminerait aucun.

Pourquoi avoir choisi la Fonda Pepa à Barcelone pour exposer ?
Je cherchais un lieu qui respire ce charme-là. Je ne voulais pas d’un restaurant design : quelque chose de joli, oui ; chaleureux, sans prétention, mais où l’on mange bien. J’ai aussi aimé le fait qu’ils n’aient jamais rien exposé auparavant ; je pense que la proposition les a surpris. J’aime l’endroit, son logo et y manger. C’était donc parfait.

 

Que pourra-t-on voir dans les œuvres de cette exposition ? Y a-t-il un fil conducteur ?
Le fil conducteur, ce sont les convives qui apparaissent sur les sets de table, et un sous-fil inévitable consiste à voir grandir mes filles de set de table en set de table.

Vous dites que la plupart ont été réalisées pendant le temps du repas. Vos accompagnants vous ont-ils déjà dit : « Sebastià, ça suffit » ?
Non, ils sont patients, mais je ne suis pas resté à dessiner après avoir payé l’addition non plus. À deux ou trois reprises, je les ai achevées tranquillement à l’atelier.

Une anecdote en dessinant dans des bars ou des restaurants ?
Dans un restaurant à Corfou, il n’y avait pas de set de table, mais une immense nappe couvrant toute la table. Alors, une fois le repas terminé, ma compagne et moi avons découpé à la main la zone du dessin. En sortant, l’image de la serveuse regardant le carré noir laissé sur la table m’a beaucoup fait rire. Évidemment, il y a des propriétaires qui ont voulu les garder, mais ils sont en général très polis et se contentent de le suggérer (rires).

 

J’ai vu que, sur votre site, vous vous interviewez vous-même. Est-ce une bonne manière d’économiser le psychologue ?
C’était une façon d’éviter une explication prétentieuse sur mon parcours et mon travail. Même si je crois que s’interviewer soi-même est encore plus prétentieux.

Dans cette auto-interview, vous vous moquez du fait de vous fermer des portes en tant qu’illustrateur en n’ayant pas un style unique. Faites-vous référence au style très marqué dont beaucoup d’illustrateurs deviennent prisonniers simplement pour gagner leur vie ?
Exactement ! Mais ce n’est pas un choix professionnel, c’est un trait de caractère : je m’ennuie lorsque je fais deux dessins d’affilée dans le même style. On ne peut donc pas dire que ce soit une décision consciente ou stratégique.

Un illustrateur peut-il se faire un nom, vivre de son art et rester libre ?
Il faudrait définir ce que signifie « être libre ». Pour moi, être libre, ce serait produire à plein temps l’œuvre que je veux. De ce point de vue, je ne l’ai pas été. J’ai vécu toute ma vie de l’illustration sans avoir besoin de me faire, comme vous dites, un nom ; et attention, ce n’est pas que je ne le souhaitais pas (rires).

Faire d’un plaisir un métier est-il la clé de tout ?
Il est très ambitieux de répondre à ce qu’est la clé de tout. J’ai toujours été illustrateur de profession et, même si je faisais ce qui me plaisait, je n’illustrais pas toujours ce que je voulais ni comme je le voulais. Ce n’est que récemment que j’ai franchi le pas de vivre en produisant une œuvre entièrement à mon goût ; et si cela fonctionne, cela aura été la clé de beaucoup de choses.